Présentée dans l’auditorium du Centre Culturel Coréen, en complément de l’exposition Couleurs de Corée, Lumière sur l’art contemporain coréen, l’installation immersive Once in a Lifetime prolonge ce qui anime Jin Meyerson depuis les années 1990 : l’exploration de l’inconscient, la place de la main humaine à l’heure du tout-technologique, le geste du peintre, mais aussi la randomisation algorithmique. Il s’explique.
Qu’est-ce qui a inspiré Once in a Lifetime ?
Jin Meyerson : Cette vidéo n’aurait pas pu voir le jour sans une autre expérience qui a bouleversé ma vie. En 2020, juste avant la naissance de ma fille, j’ai enfin commencé à rechercher ma famille biologique. J’ai alors découvert que toute l’histoire de ma naissance et tous les documents qui s’y rapportaient avaient été falsifiés. Je n’ai pas de date de naissance réelle. Je ne suis pas entrée à l’orphelinat quand j’étais bébé. La première trace de mon existence remonte à l’âge de 4 ans environ, lorsque j’ai été abandonné dans un marché public et amené au poste de police. Cette prise de conscience m’a bouleversé et a immédiatement donné plus d’importance aux croquis numériques, qui sont comme les traces de naissance de mon travail. Ces croquis, que j’avais délibérément tenus à l’écart du regard du public, ont soudainement pris un caractère urgent.
En 2022, lorsque la vidéo a été réalisée, j’ai élargi mon studio à la programmation afin de rester à la pointe des nouvelles technologies d’imagerie qui faisaient leur apparition, en particulier l’IA. Nous vivons à une époque où les progrès technologiques sont si rapides qu’en une semaine, on a l’impression qu’une décennie de recherche a été accomplie. 2022 semble déjà loin…
Toutes les données de mes archives, ainsi que plus de 300 reproductions de peintures achevées, ont été intégrées à un logiciel d’imagerie IA de 2022, avec des mots-clés, tels que « naissance », « mort », « amour », etc., créant ainsi un algorithme « Jin Meyerson ». Ce projet peut donc être daté de 1997, année où je commence à utiliser les tout premiers logiciels d’animation 3D, à 2022. La programmation et la direction ont pris près de six mois, et une fois que la version en direct sera mise en ligne, la durée du projet s’étendra jusqu’à ma mort.
Quelles difficultés, notamment sur le plan technique, avez-vous dû surmonter pour donner vie à Once in a Lifetime ?
Jin Meyerson : La structure de la réalisation d’une vidéo présente des similitudes avec la création d’une peinture, mais le transfert du travail vers une sortie HDMI et la satisfaction obtenue sont assez nuancés, délicats et littéralement « hors de mon contrôle ». Je sais que j’ai rendu ma très talentueuse vidéaste Jo Ahyoung complètement folle avec mes multiples ajustements. De plus, les premières versions de l’imagerie IA étaient assez simplifiées, voire drôles. C’était un peu comme regarder ma fille faire ses premiers pas, les hallucinations étaient fréquentes. Tout ce que l’IA proposait était ridicule et faisait rire aux éclats. Mais j’ai fini par comprendre que ces éléments devaient malgré tout être inclus.
Vous dites que ce travail est une réflexion sur la mémoire à l’ère des systèmes intelligents : qu’entendez-vous par là ?
Jin Meyerson : La mémoire est la manière dont nous stockons le sens. Toutes les données sont de la mémoire, et toute mémoire constitue des données. J’ai toujours considéré que mon travail consistait autant à délimiter un emplacement dans l’espace-temps qu’à devenir une image/un objet. Mon travail a évolué depuis mes débuts, où je prenais ce que l’écran d’ordinateur me donnait, vers des collages analogiques et numériques, des distorsions manuelles performatives sur des scanners, jusqu’à son utilisation actuelle de scans LIDR et de vidéos intégrant des logiciels d’imagerie IA. Chaque pièce porte en elle le moment où elle a été créée et, comme mon travail s’inspire de mon parcours et de mon identité diasporiques, elles émergent de souvenirs à la fois réels et amplifiés, pour finalement devenir des expériences mémorielles à part entière. À la fois d’une manière profondément personnelle et, je l’espère, dans la façon dont le travail est reçu et porté par le public dans un sens culturel plus large.
N’avez-vous pas l’impression que la retranscription en données numériques de toutes ces peintures instaure le trouble au sein de l’histoire de l’art, que l’on aimerait parfois figer, que l’on a tendance à voir comme linéaire, rythmée par des styles bien définis ?
Jin Meyerson : Je me suis beaucoup intéressé à la notion de rétrocausalité, c’est-à-dire la manière dont les événements futurs peuvent affecter et influencer le présent et le passé. Lorsque j’ai accepté l’impossibilité de rétablir un lien avec ma famille biologique, j’ai vécu une libération de cette perte grâce à mes filles, qui portent l’ADN de ma mère biologique.
En termes plus théoriques et techniques, en 2022, je réfléchissais à l’idée de singularité de Kurzweil. L’un des principaux défis reste le pluralisme des valeurs. En réalisant Once in a Lifetime, j’ai commencé à réfléchir à la manière dont les décisions esthétiques et la pratique artistique pouvaient constituer un élément précieux de la formation à l’intelligence. L’humanisme de la mémoire. C’était avant l’avènement de l’apprentissage multimodal en ligne, et avant qu’il ne devienne évident que les grandes entreprises technologiques exploitaient en fait tous les contenus sur lesquels elles pouvaient mettre la main.
Depuis les années 2000, vous cherchez à repenser la peinture figurative. Diriez-vous que l’IA vous permet aujourd’hui d’approfondir cette recherche ? Si oui, pourquoi ?
Jin Meyerson : Je pense que l’on me reconnaît le mérite d’avoir contribué à repenser et à faire revivre la peinture figurative parce que j’ai commencé ma carrière en tant qu’artiste de la première génération de la Zach Feuer Gallery. Je ne suis pas tout à fait sûr de mériter ce crédit. Il y avait des peintres vraiment importants comme Dana Schutz, Jules de Balincourt, Tom McGrath et moi-même qui faisaient partie du programme initial de la galerie et nous avons tous commencé notre carrière ensemble. En tant que jeune artiste, je n’avais pour l’essentiel aucune idée de ce que je faisais, ce qui, selon moi, est une partie très importante de la jeunesse artistique. Je ne peux pas dire que mon travail ait jamais été uniquement axé sur la peinture figurative.
Il était clair pour moi que j’incarnais une intersection entre la peinture figurative et l’abstraction, entre le point de vue à la première et à la troisième personne. La paternité, qui est un élément si important dans la façon dont les peintres sont perçus et appréciés, est quelque chose que j’ai toujours remis en question. Avec mon utilisation précoce de logiciels de randomisation à la fin des années 1990, j’ai essayé de m’éloigner autant que possible des décisions traditionnelles qui permettent aux peintres d’être reconnus et commercialisés.
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Jin Meyerson : Je me suis récemment intéressé au surréalisme. À sa création, Apollinaire a changé le nom de « super réalisme » en « surréalisme ». Le surréalisme était autant un mouvement littéraire et politique qu’un mouvement artistique, une réaction contre le dadaïsme et le fascisme, et une intersection entre deux réalités, l’inconscient et la conscience. Il existe un merveilleux essai de Naomi Klein, que le conservateur Robin Peckham m’a envoyé l’autre jour, qui développe une thèse sur le lien entre notre époque actuelle et le Paris de l’après-Première Guerre mondiale. Nous nous trouvons à un moment charnière où l’IA et la conscience humaine forment une intersection entre ces deux réalités.
À propos de l’IA : est-elle pour vous un moyen de mettre en valeur le pouvoir créatif de l’artiste ?
Jin Meyerson : J’ai toujours été en terrain inconnu. J’ai été adopté par une famille dont le père était juif et la mère suédoise. Je n’ai jamais été ni complètement américain, ni complètement coréen. Pour moi, une certaine nativité numérique est donc inhérente. Depuis mes premiers pas dans ce domaine, l’espace numérique reste le plus accessible socialement et démocratiquement pour tous. Rester à la pointe de la découverte fait partie du travail des artistes. Me tenir au courant des avancées dans le développement de l’IA est un aspect important de ma pratique. Il est tout aussi important de comprendre les échecs et les limites de l’IA, ainsi que les idées philosophiques et sociétales plus larges sur la manière dont elle est utilisée et pourquoi.
L’intelligence artificielle est devenue un outil précieux pour gagner du temps et fournir des informations imprévisibles. En fin de compte, si ces résultats ne correspondent pas ou n’amplifient pas le sens de mon travail, ils sont supprimés. Ce qui est passionnant à l’heure actuelle, ce sont les possibilités et les discussions qui se concentrent sur l’IA et l’art. En comparaison, lorsque je repense à 1997, quand j’ai commencé à utiliser l’espace numérique, je passais la plupart de mon temps à parler tout seul.
